Модерн
Искусство рубежа 19 -20 веков
Арт-Нуво – Бельгия
Сецессион – Австрия
Югендстиль – Германия, Эстония
Либерти - Италия
Модерн – последний стиль в Европе, затронувший все виды искусства. В каждой стране он назывался по-своему, т.к. имел национальные особенности.
Общим было следующее: в основе стиля лежит эклектика, смешение различных стилей и видов искусства;
стирается граница между видами искусства, например, трудно понять, где заканчивается живопись и начинается скульптура и т.п.;
декоративность, огромное количество разных украшений;
иррациональное восприятие формы, асимметрия, органика форм;
одно из главных средств выражения – линия, волнообразная, фантазийная;
Модерн в большей степени был выражен в функциональных видах искусства - архитектуре (богатые особняки, банки, вокзалы, театры), прикладных видах искусства (мебель, аксессуары, одежда, ткань) книжной графике. В меньшей степени в скульптуре и живописи.
Для архитектуры модерна характерно выявление функционально-конструктивной основы здания, отрицательное отношение к классическим принципам ордерной архитектуры. В архитектуре модерна широко используются пластические возможности металла (введение кривых линий) и особенностей железобетона, применение стекла и майолики. Так же было много декоративизма с обилием кривых линий и нагромождением декоративных элементов, склонность к иррационализму, например, мистицизм А. Гауди.
Ла Педрера – это здание Гауди строил с 1906 по 1910 год. В переводе на русский, название дома переводится, как «каменоломня». Оно представляет собой огромную скалу с вырезанным в ней пещерным городом. Такое впечатление, будто океанская волна хлынула на тротуар, и когда она отошла, осталось такое здание – в виде застывшей океанской волны. На чердаке этого здания – музей Гауди, а еще необычный внутренний дворик.
Храм Святого Семейства (Саграда Фамилиа) Гауди начал строить в 1884 году, он его строил почти 35 лет, и Храм остался незавершенным, хотя городские власти планируют завершить строительство Собора к 2030 году. Были построены склеп, абсида, Фасад Рождества. Уже после смерти Гауди, началось строительство Фасада Страсти Господней под руководством других архитекторов. Это – основное творение мастера, о котором он говорил, что это будет храм новой серии. Гауди считал его Храмом Искупления Грехов и символом Рождества Христова. Фасад Рождества – прекрасное творение с четырьмя башнями с необычными силуэтами. Фасад имеет три портала, центральный – портал Любви, левый – портал Надежды, правый – портал Веры. Множество скульптур, необыкновенное освещение – все это, в совокупности с фантастической готической формой, создает совершенно уникальное здание.
среда, 3 ноября 2010 г.
вторник, 2 ноября 2010 г.
Постимпрессионизм. Лекция
Постимпрессионизм – направление во французской живописи конца 19 века. Это направление идущее после импрессионизма. Поль Сезанн, Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Анри Тулуз-Лотрек – основные представители постимпрессионизма – не были объединены общей программой, общим художественным методом. Они начали работать с импрессионистами и испытали их влияние, но каждый из них представляет собой яркую творческую индивидуальность.
Постимпрессионисты изменили художественную систему. Начиная с эпохи Возрождения до импрессионизма, существовала художественная система реализма, где главной целью было изображение предметного мира так, как видит человек. Существовал принцип «пишу, что вижу и как вижу». Все средства художественной выразительности направлены на реалистическое восприятие и воспроизведение визуального мира. В эпоху Возрождения – это линейная и воздушная перспектива, моделирование на плоскости предметов светотенью, пропорции, анатомически правильное изображение. Импрессионизм – изучение природы цвета и света, оптики – для того, чтобы передать окружающий мир в изменчивости, движении, ощущении, естественности. Это так называемый предельный реализм.
Постимпрессионисты отказались от системы реализма. Они сознательно отказались от изображения правильных форм, классической перспективы, изображения анатомически правильного человека, классического рисунка и приёмов живописи. Это был поиск новой системы выражения, где принцип следующий «пишу не, что вижу, а что чувствую». У представителей постимпрессионизма появляются новая художественная система, новые способы выражения: экспрессия линии, живописного мазка, в целом рисунка, живописи, выражающие разные состояния внутреннего мира, плоскостное изображение, символика цвета, геометрия мира и т.д.
Влияние постимпрессионизма на искусство 20-го века (модернизм). Все направления модернизма: фовизм, экспрессионизм, кубизм, дадаизм, сюрреализм, футуризм, абстракционизм берут начало с постимпрессионизма. Фовисты, экспрессионисты черпали вдохновение и способы выражения у Ван Гога, кубизм зародился под воздействием геометризации Сезанна, потом идеи абстракционизма. Постимпрессионизм - классика искусства 20-го века, новых способов выражения, новой художественной системы.
Поль Сезанн (1839 – 1906) начал творческий путь вместе с импрессионистами, затем уехал в город Экс (Прованс), где жил замкнутой жизнью. К концу 80-х годов имя Сезанна стало чем-то вроде легенды, мифа. В 1895 году Сезанн, не выставлявшийся до этого 20 лет, отправил в Париж на выставку 150 картин. Выставка имела необыкновенный успех. Сезанн становится вождём нового поколения. Он не дематериализует форму; мир, природа, человек утверждаются им во всей цельности и крепости. У художника нет картин сложных по содержанию, он работал в жанре портрета, пейзажа, натюрморта. Наиболее сильная сторона таланта Сезанна – колорит. Суть художественного метода в передаче неизменной вечной реальности, выявлении геометрической структуры природных форм. «Всё в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра». Сезанн утратил некоторую конкретность формы, фактуры. На его натюрмортах трудно представить, какие фрукты изображены. В портретах есть некая бездушность, т.к. художника интересует не духовный мир человека, его характер, а основные формы предметного мира, переданные цветовыми соотношениями. Это элементы абстрагирования, получившие развитее в искусстве 20-го века.
Винсент Ван Гог (1853 – 1890) «великий голландец», после 30 лет начинает серьёзно заниматься живописью. До этого в юности работал в фирме, занимающейся продажей картин, в 1880 – 1881 гг. учился в Брюссельской академии художеств. В1886 г. приезжает в Париж, на него оказывают влияние импрессионисты, японская графика. Вскоре он переезжает в город Арль (Прованс). Он обострённо воспринимает все жизненные конфликты и кончает жизнь самоубийством. Творчество Ван Гога охватывает около десятилетия, причём самые плодотворные последние пять лет жизни, самые дорогостоящие на сегодня картины были написаны в последний год жизни.
Художественный метод Ван Гога заключается в экспрессивном видении мира. Он воспринимал мир трагически, безысходно, пессимистически, или испытывал восторг перед этим миром, отсюда характер творчества - повышенно-эмоциональный. Многообразные ассоциации: и глубокое сострадание к человеку, чувство одиночества, трагизм, дисгармония мира. Он одушевляет природу и предметный мир – «Башмаки». Ван Гог достигает внутренней экспрессии при помощи особых приёмов наложения краски резкими, параллельными мазками, идущими в разных направлениях и пронзительно яркого цвета, динамики цвета. Это усиливает общее впечатление напряжённости. При жизни Ван Гог не пользовался известностью. Стал особенно популярен после смерти и, его живопись оказала огромное влияние на развитие искусства.
Поль Гоген (1848 -1903) в 35 лет оставил службу в банке, целиком посвятил себя живописи. Вначале подражал импрессионистам, затее выработал свою манеру письма «Понт-Авенская школа». Гогену не нравится жить и творить в мире европейской цивилизации, и он отправляется в экзотические страны, пленяясь первозданной, примитивной жизнью полинезийских племён. В 1888 г. появляется в Арле, где происходит его трагический разрыв с Ван Гогом, в Париже выставка, не имевшая успеха; Гоген в 1889 г. уезжает на Таити. Последние годы жизни Гоген живёт на острове Доминика (Маркизские острова).
Художественный метод Поля Гогена. Изображал предметный мир, как идею, используя образ как знак, символ. Гогена связывают с направлением символизма. Стремясь, приблизится к художественным традициям туземного искусства, Гоген намеренно пришёл к примитивизации формы. Он пользуется предельно упрощённым рисунком, плоские формы предметов, чистые и яркие краски, орнаментальный характер композиции. Реальную природу Гоген преобразует в декоративный красочный узор, отказываясь от перспективы, светотеневой моделировки. Использует цвет как символ, знак земли, неба, травы и пр. Он не пользуется светотеневой моделировкой, накладывает цвет ровными плоскостями, использует контраст. Гоген стилизует форму предметов, линейный ритм. Плоскостность, орнаментальность, яркость красочных пятен, декоративность.
Анри Тулуз-Лотрек (1864 -1901) происходил из старинной аристократической семьи. Из-за близкого родства матери и отца, у Анри была патология костной ткани. В детстве он упал с лошади, получил перелом и с того времени практически не рос в высоту. С детства Лотрек прекрасно рисовал, в зрелом возрасте он был знаменитым художником Парижа. Он работал в основном в графике, оставил острые, трагические по мироощущению, доходящие до гротеска и карикатуры образы. Это литографии, посвящённые типажам парижской богемы и парижского «дна». Он делает плакаты с изображением знаменитых танцовщиц, певиц кабаре, циркачек, «ночных бабочек» Монмартра. Показывает веселье «Мулен де ла Галет» и «Мулен Руж» - Парижа, воспетого Бодлером и Верленом, но увиденного им совершенно по-своему, нервно, экспрессивно, драматически. Лотрек был прекрасным портретистом, выдающимся рисовальщиком. Афиша, плакат 20-го века зародились именно в его творчестве.
Постимпрессионисты изменили художественную систему. Начиная с эпохи Возрождения до импрессионизма, существовала художественная система реализма, где главной целью было изображение предметного мира так, как видит человек. Существовал принцип «пишу, что вижу и как вижу». Все средства художественной выразительности направлены на реалистическое восприятие и воспроизведение визуального мира. В эпоху Возрождения – это линейная и воздушная перспектива, моделирование на плоскости предметов светотенью, пропорции, анатомически правильное изображение. Импрессионизм – изучение природы цвета и света, оптики – для того, чтобы передать окружающий мир в изменчивости, движении, ощущении, естественности. Это так называемый предельный реализм.
Постимпрессионисты отказались от системы реализма. Они сознательно отказались от изображения правильных форм, классической перспективы, изображения анатомически правильного человека, классического рисунка и приёмов живописи. Это был поиск новой системы выражения, где принцип следующий «пишу не, что вижу, а что чувствую». У представителей постимпрессионизма появляются новая художественная система, новые способы выражения: экспрессия линии, живописного мазка, в целом рисунка, живописи, выражающие разные состояния внутреннего мира, плоскостное изображение, символика цвета, геометрия мира и т.д.
Влияние постимпрессионизма на искусство 20-го века (модернизм). Все направления модернизма: фовизм, экспрессионизм, кубизм, дадаизм, сюрреализм, футуризм, абстракционизм берут начало с постимпрессионизма. Фовисты, экспрессионисты черпали вдохновение и способы выражения у Ван Гога, кубизм зародился под воздействием геометризации Сезанна, потом идеи абстракционизма. Постимпрессионизм - классика искусства 20-го века, новых способов выражения, новой художественной системы.
Поль Сезанн (1839 – 1906) начал творческий путь вместе с импрессионистами, затем уехал в город Экс (Прованс), где жил замкнутой жизнью. К концу 80-х годов имя Сезанна стало чем-то вроде легенды, мифа. В 1895 году Сезанн, не выставлявшийся до этого 20 лет, отправил в Париж на выставку 150 картин. Выставка имела необыкновенный успех. Сезанн становится вождём нового поколения. Он не дематериализует форму; мир, природа, человек утверждаются им во всей цельности и крепости. У художника нет картин сложных по содержанию, он работал в жанре портрета, пейзажа, натюрморта. Наиболее сильная сторона таланта Сезанна – колорит. Суть художественного метода в передаче неизменной вечной реальности, выявлении геометрической структуры природных форм. «Всё в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра». Сезанн утратил некоторую конкретность формы, фактуры. На его натюрмортах трудно представить, какие фрукты изображены. В портретах есть некая бездушность, т.к. художника интересует не духовный мир человека, его характер, а основные формы предметного мира, переданные цветовыми соотношениями. Это элементы абстрагирования, получившие развитее в искусстве 20-го века.
Винсент Ван Гог (1853 – 1890) «великий голландец», после 30 лет начинает серьёзно заниматься живописью. До этого в юности работал в фирме, занимающейся продажей картин, в 1880 – 1881 гг. учился в Брюссельской академии художеств. В1886 г. приезжает в Париж, на него оказывают влияние импрессионисты, японская графика. Вскоре он переезжает в город Арль (Прованс). Он обострённо воспринимает все жизненные конфликты и кончает жизнь самоубийством. Творчество Ван Гога охватывает около десятилетия, причём самые плодотворные последние пять лет жизни, самые дорогостоящие на сегодня картины были написаны в последний год жизни.
Художественный метод Ван Гога заключается в экспрессивном видении мира. Он воспринимал мир трагически, безысходно, пессимистически, или испытывал восторг перед этим миром, отсюда характер творчества - повышенно-эмоциональный. Многообразные ассоциации: и глубокое сострадание к человеку, чувство одиночества, трагизм, дисгармония мира. Он одушевляет природу и предметный мир – «Башмаки». Ван Гог достигает внутренней экспрессии при помощи особых приёмов наложения краски резкими, параллельными мазками, идущими в разных направлениях и пронзительно яркого цвета, динамики цвета. Это усиливает общее впечатление напряжённости. При жизни Ван Гог не пользовался известностью. Стал особенно популярен после смерти и, его живопись оказала огромное влияние на развитие искусства.
Поль Гоген (1848 -1903) в 35 лет оставил службу в банке, целиком посвятил себя живописи. Вначале подражал импрессионистам, затее выработал свою манеру письма «Понт-Авенская школа». Гогену не нравится жить и творить в мире европейской цивилизации, и он отправляется в экзотические страны, пленяясь первозданной, примитивной жизнью полинезийских племён. В 1888 г. появляется в Арле, где происходит его трагический разрыв с Ван Гогом, в Париже выставка, не имевшая успеха; Гоген в 1889 г. уезжает на Таити. Последние годы жизни Гоген живёт на острове Доминика (Маркизские острова).
Художественный метод Поля Гогена. Изображал предметный мир, как идею, используя образ как знак, символ. Гогена связывают с направлением символизма. Стремясь, приблизится к художественным традициям туземного искусства, Гоген намеренно пришёл к примитивизации формы. Он пользуется предельно упрощённым рисунком, плоские формы предметов, чистые и яркие краски, орнаментальный характер композиции. Реальную природу Гоген преобразует в декоративный красочный узор, отказываясь от перспективы, светотеневой моделировки. Использует цвет как символ, знак земли, неба, травы и пр. Он не пользуется светотеневой моделировкой, накладывает цвет ровными плоскостями, использует контраст. Гоген стилизует форму предметов, линейный ритм. Плоскостность, орнаментальность, яркость красочных пятен, декоративность.
Анри Тулуз-Лотрек (1864 -1901) происходил из старинной аристократической семьи. Из-за близкого родства матери и отца, у Анри была патология костной ткани. В детстве он упал с лошади, получил перелом и с того времени практически не рос в высоту. С детства Лотрек прекрасно рисовал, в зрелом возрасте он был знаменитым художником Парижа. Он работал в основном в графике, оставил острые, трагические по мироощущению, доходящие до гротеска и карикатуры образы. Это литографии, посвящённые типажам парижской богемы и парижского «дна». Он делает плакаты с изображением знаменитых танцовщиц, певиц кабаре, циркачек, «ночных бабочек» Монмартра. Показывает веселье «Мулен де ла Галет» и «Мулен Руж» - Парижа, воспетого Бодлером и Верленом, но увиденного им совершенно по-своему, нервно, экспрессивно, драматически. Лотрек был прекрасным портретистом, выдающимся рисовальщиком. Афиша, плакат 20-го века зародились именно в его творчестве.
понедельник, 27 сентября 2010 г.
ИМПРЕССИОНИЗМ
ИМПРЕССИОНИЗМ
Направление во французской живописи в последний трети 20-го века. Предельный реализм, новая система художественного выражения, позволившая выразить движение, изменчивость окружающего мира. Изучения световоздушной среды, её влияние на цвет, эксперимент с цветом. С импрессионистов началась новая эпоха в живописи, новое художественное видение мира. Название берет своё начало от картины К. Моне «Впечатление. Восход солнца». Импрессионизм независимое направление, отвергавшее искусство официальной школы академизма. В импрессионизме раскрывается способность человека видеть мир непосредственно, интуитивно.
История импрессионизм охватывает всего 12 лет: с первой выставки в 1874 г. по последнюю, восьмую, в 1886г. Но предыстория этого направления лежит в борьбе романтиков с академистами, в антагонизме Энгра и Делакруа, в исканиях барбизонцев, реализме Курбе, Домье. В 1863г. Художники, не принятые официальным жюри, устроили свой «Салон отверженных», на котором была представлена скандальная картина Э. Мане «Завтрак на траве». Ещё большее негодование вызвала «Олимпия». Мане становится центральной фигурой всей прогрессивной художественной интеллигенции, в 1867 г. он устраивает собственную выставку, к нему присоединяется группа молодых художников Базиль, Писсарро, Сезанн, Клод Моне, Ренуар, Дега, Берта Моризо. Они собирались в кафе Гербуа, на улице Ботиньоль, 11. Их называли художниками батиньольской школы. Но это название условно, у них не было единой программы. Их единство было основано на несогласии с официальным искусством, желании найти новые формы, понимание локального цвета как чистой условности, поиск передачи световой среды, воздуха, окутывающего предметы. Все выставки импрессионистов завершались провалом, последняя выставка имела успех, но к этому времени группа художников распалась.
Ренуар и Мане стали выставляться в Салонах, Писсарро примкнул к неоимпрессионистам, некоторые из них умерли, так и не дожив до признания. Через год после смерти Сислея, умершего в нищете, его работы продавались по баснословным ценам. Моне прошёл все этапы: он знал нищету, непризнание, затем приобрёл известность.
Художественный метод импрессионизма
Импрессионисты стремились передать в своих произведениях непосредственное впечатление от окружающей среды – impression, впечатление от современного города с его подвижной, импульсивной жизнью. Это впечатление они стремились воплотить на полотне, создав живописными средствами иллюзию света и воздуха, богатой световоздушной среды. Для этого они разложили цвет на весь спектр, стараясь писать чистым цветом, не смешивая его на палитре и используя оптическое восприятие глаза, сливающего на определённом расстоянии отдельные мазки в общий живописный образ. Они хотели быть максимально приближенными к тому, как тот или иной предмет видит человек в натуре на пленэре, а человек видит его всегда во всём сложном взаимодействии со световоздушной средой. Часто предметы и фигуры как бы обрезались рамкой холста, дабы усилить впечатление случайного и естественного. Импрессионисты стали по-новому воспринимать дополнительные цвета – по принципу контраста, в пейзаже отказались от чёрного цвета. Так, известно, что Сёра писал прибрежный песок в тени, синим. Растворив цвет в свете и воздухе, импрессионисты лишили предметы материальности формы.
Эдуард Мане (1832 -1883)
Сын богатых родителей, он получил образование в мастерской Кутюра, одного из столпов академического искусства, внушившего Мане отвращение к академической школе. Подлинными его учителями явились Тициан, Веласкес, Гойя, Халс, Рубенс. Он восхищался и перенял у них мастерство колорита. Иногда он следует в композиции классически известным произведениям. Мане отличало от импрессионистов то, что он не отказался от широкого мазка, от обобщённой реалистической характеристики, цельности характеров. Он не растворял предметы в световоздушной среде, лепил форму широким мазком, мощным живописным пятном.
Многое Мане связывает и с импрессионизмом: живопись на пленэре, высветленная палитра. («Аржантёй», «Берег Сены в Аржантёйе», «В лодке»). Изображаемые им парижские улицы и бары, парижская толпа, современный ему ландшафт, портреты его друзей, парижская богема – вся современная ему жизнь понятна и передана им во всём богатстве остро и точно схваченного движения и разнообразия случайностей, что характерно для импрессионизма в целом. Наиболее «импрессионистическая» вещь Мане – «Бар «Фоли-Бержер».
Прижизненную славу художнику обеспечили разгромные статьи критиков с завидной регулярностью появлявшиеся в периодических изданиях. Сегодня с творчества Эдуарда Мане (1832 - 1883) принято начинать рассказ о рождении современного искусства. И в первую очередь с его именем связывают появление импрессионизма. Хотя кровного родства между творчеством последнего и течением, которое возглавил Клод Моне, нет. Мане принадлежит честь быть, если можно так выразиться, духовным отцом импрессионизма. Его творчество предопределило саму возможность его появления. Позднее Мане и вовсе некоторое время работал в манере, свойственной молодым коллегам. Так под влиянием Моне он создает свою первую картину на пленэре.
Художественное образование Мане получил в мастерской Кутюра. Художника чтившего законы и каноны неоклассицизма и отдававшего предпочтение сюжетам из античной жизни (ныне наибольшей известностью пользуется его картина, посвященная римлянам времен упадка империи). Поэтому не удивительно, что вскоре учитель отрекся от ученика принципиально не желавшего следовать пути академизма. Однако, в отличие от Моне, Мане чтил старых мастеров. В первую очередь испанцев и венецианцев.
И первые работы демонстрируют романтическую влюбленность в Испанию ("Лола из Валенсии" 1862, Лувр, "Гитареро" 1860, Музей Метрополитен).
По собственному выражению Мане он "жил своим временем и изображал то, что видел перед собой". Первое изображение сцены из парижской жизни появляется из-под его кисти в 1861 году - это было "Музыка в Тюильри" (Национальная галерея, Лондон). Однако парижской публике она почему-то не понравилась.
Правда, при виде представленных два года спустя "Завтрака на траве" и "Олимпии", ныне украшающих собрание Лувра, достопочтенная публика и вовсе хваталась за зонтики и несвежие овощи, направляясь в атаку на эти странные (на ее взгляд) произведения. Что же так взволновало и возмутило добропорядочных буржуа? Женская обнаженная натура. Вернее тот факт, что ее появление не оправдывается сюжетом. Художник посмел изобразить обнаженной современную женщину (на обеих картинах запечатлена Викторина Меран, бывшая постоянной натурщицей Мане) и даже не пытался скрыть сей возмутительный, подрывающий нравственные устои факт. Если бы он избрал предметом изображения образ Венеры, Артемиды, нимфы или Данаи реакция была бы иной. А так между героями картин и зрителями исчезал привычный музейный барьер.
Вопреки общественному мнению художник продолжил работать в выбранной однажды манере. Мгновения из повседневной жизни появляются на его холстах "Балкон" (1868-1869, Лувр) и, например, "Завтрак в мастерской" (1868, Баварское государственное художественное собрание). Здесь он в своей стихии, в любом самом простом и обыденном действии он умел находить обаяние и поэзию. А вот исторические полотна ему не удавались. О чем свидетельствует попытка написать расстрел императора Максимилиана (1867, Городская художественная галерея, Мангейм) - события произошедшее в Мексике, результат внешней политики Наполеона III. Зато Ренуар мог сказать: "единственная казнь, которую я допускаю, это казнь Максимилиана в картине Мане. Красота черных пятен оправдывает грубость сюжета".
Лучшие "импрессионистические" полотна Мане, как Моне с котором критики его порой путали, пишет в Аржантее. Среди шедевров кисти Мане того времени, в том числе портрет Клода Моне ("Клод Моне в лодке" 1874, Новая Пинакотека; Мюнхен).
В поздних работах художник возвращается к стилю "доимпрессионистического" периода. Вновь мелькают в живописном калейдоскопе сцены из парижской жизни. К ним относится и последняя его работа - "Бар в Фоли-Бержер" (1881-1882, Институт Курто, Лондон), где чудесным образом вульгарная повседневность преображается живописью в поэтический мир грез.
Клод Моне (1840 -1926)
Глава импрессионистической школы. В его творчестве воплотилась основная проблема импрессионизма – проблема света и воздуха. Мир Моне с его предметами, растворяемыми в световоздушной среде, постепенно лишается материальности и превращается в гармонию цветовых пятен. Моне десятки раз пишет один и тот же мотив, его интересуют эффекты освещения различного времени суток или разных времён года в сочетании с изображаемым предметом («Стога», «Руанский собор»). Он первый убрал из своей палитры чёрный цвет, считая, что такого нет в природе и что даже тени в действительности цветные. Слова Сезанна о Моне: «Моне – это только глаз, но Бог мой, какой глаз» - можно отнести к импрессионизму в целом («Вид Темзы», «Бульвар Капуцинов»). Мгновение, выхваченное из потока жизни, пульсация большого города – всё схвачено как бы случайно, но увидено зорким взглядом художника. Однако за всем этим постепенно теряется цельная картина мира, его материальность.
Художественное образование получил в Париже (с 1859), занимался в студии Сюиса, некоторое время посещал мастерскую художника академической ориентации Ш. Глейра. В Салоне внимательно присматривался к полотнам К. Коро, Т. Руссо, Ш. Добиньи. Важное значение имело знакомство с молодыми живописцами, ищущими новых путей в искусстве: Базилем, Писсарро, Дега, Сезанном, Ренуаром, Сислеем. В их кругу зародилось ядро нового живописного направления, получившего впоследствии название «импрессионизм» от названия картины Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872, Музей Мармоттан, Париж; франц. impression — впечатление), которая экспонировалась в ателье фотографа Надара в 1874, на первой выставке импрессионистов. Клод Моне много работает на натуре, ему важно не просто запечатлеть пейзаж, бытовую сценку, а передать свежесть непосредственного впечатления от созерцания природы, где каждое мгновение что-то происходит, где окраска предметов непрерывно меняется в зависимости от освещения, от состояния атмосферы, погоды, от соседства с другими предметами, отбрасывающими цветные отблески — рефлексы. Чтобы воссоздать жизнь в ее непрестанных изменениях, художник работает под открытым небом, делая на пленэре не только этюды, но и завершая картины. В картине «Дамы в саду» (около 1865, Эрмитаж, Санкт-Петербург), залитой сияющим светом, белый цвет платья словно вбирает в себя все многоцветие природы — здесь и голубые блики, и зеленоватые, охристые, розоватые; столь же тонко разработан зеленый цвет листвы, травы.
Моне начинает работать рельефным мазком, передающим трепет листвы, мерцание солнечных бликов на воде, тени от скользящих по небу облаков: «Скалы в Этрета» (1886, Музей изобразительных искусств, Москва); «Луга в Живерни» (1888), «Поле маков» (1880-е, оба — Эрмитаж, Санкт-Петербург). Композицию художник сознательно строит таким образом, чтобы картина производила впечатление случайно выхваченного фрагмента из потока жизни («Бульвар Капуцинок», 1873, Музей изобразительных искусств, Москва).Моне создает серии, запечатлевая один и тот же мотив, в разное время дня: «Руанский собор в полдень» (1894); «Руанский собор вечером» (1894, оба Музей изобразительных искусств, Москва); контуры предметов, объемы начинают растворяться в световоздушной среде.
Добиваясь чистоты и звучности цвета, Моне избегает смешивать краски на палитре; чтобы передать нужный ему тон зеленой листвы, художник кладет рядом мазки желтого и синего, на расстоянии они сливаются, «смешиваются» в глазу зрителя, и листья кажутся зелеными и словно трепещущими на ветру («Стог сена», около 1886, Музей изобразительных искусств, Москва). Все эти новшества вызывали неприятие публики и критики. Картины импрессионистов не принимались в Салон, покупались за бесценок или не покупались вовсе. Моне жил долгое время в такой нужде, что не было денег ни на хлеб, ни на краски, и он подчас не мог закончить начатый холст. Свои последние работы — 14 больших декоративных панно «Нимфеи» («Водяные лилии», или «Кувшинки»), над которыми Моне работал начиная с 1918, — он завещал в дар государству: пейзажи с мерцающими водами, лилиями, серебристыми ивами и их зыбкими отражениями заполняют пространство двух овальных залов «Оранжереи» Лувра (Париж).
Огюст Ренуар (1841 – 1919)
«Живописец счастья». Из простой семьи, родом из Лиможа. В ранней молодости расписывал веера, шторы и фарфор, зарабатывая себе на хлеб. Копировал работы французских мастеров 18 века в Лувре. Это в дальнейшем повлияло на характер творчества. Живопись Ренуара легка, красочна, живописный, плавный мазок. Он писал в основном портреты: женщин, детей, веселящуюся толпу: «Качели», «Зонтики», «Мулен де ла Галет», «Бал в Буживале», «Портрет Жанны Самари». Глядя на портреты Ренуара, понимаешь, что – человек – самое прекрасное в общей гармонии мира. Женщины Ренуара одного типа, очаровывают детские портреты. В них нет психологической глубины, социальной характеристики, есть только радость восприятия красоты, молодости, естественности.
Ренуара принято считать не только крупнейшим художником-импрессионистом, но и одним из самых выдающихся живописцев XIX века.
Ренуар родился в Лиможе, свою художественную деятельность он начал с росписи фарфоровых изделий и тканей. Переехав в Париж, Ренуар поступил в Школу изящных искусств, где познакомился с Моне и Сислеем. Искусство сначала не приносило Ренуару успеха. Лишь благодаря портретам, которые он писал в большом количестве, художнику удалось накопить денег на поездку в Италию. Там он был поражен работами Рафаэля и других великих итальянских мастеров. Впечатление было столь велико, что Ренуар сам попытался работать в классической манере, но после недолгих колебаний вернулся к привычному живописному языку.
Среди других импрессионистов Ренуар выделяется тем, что пейзаж не стал главным объектом его интереса. Его любимыми темами были женщины, дети, цветы. К ним он возвращался многократно и всегда с большой любовью. Образы детей особенно гармоничны с радостным и жизнелюбивым искусством художника. А свой любимый тип женщины - с неизменной улыбкой на пухлых губах, вздернутым носиком, непокорной челкой - он повторял во многих произведениях.
В многочисленных произведениях Огюста Ренуара бесполезно искать глубокие переживания, мир в его живописи это, прежде всего гармония и пластика форм. Вполне понятно, что художник применял опыт товарищей-пейзажистов в изучении цвета, но работал в своей особой манере, в своих любимых красочных соотношениях. Он писал маслом так же прозрачно, как акварелью, один мазок переходил в другой, благодаря чему предметы словно тают в окружающей их атмосфере.
Художественная гамма Ренуара неизменно тепла, он любил розоватые и красноватые оттенки. Купальщица написана художником в 1885-1890 годах. В этой работе, хранящейся в Лондонской Национальной галерее, присутствуют самые характерные для Ренуара черты.
Всю жизнь Ренуар был увлечен живописью Энгра. Но его Купальщица, как и все его обнаженные, куда более живая и теплая, чем засушенные «адалиски» прославленного академика. Знаменитый холст Зонтики написан художником в 1881-1886 годах, после его возвращения из Италии. Воздействием итальянских впечатлений можно объяснить более четкие, чем обычно контуры изображаемого. А во всем остальном это типичное произведение Ренуара, мастера, которого невозможно спутать ни с кем.
Эдгар Дега (1834 – 1917)
Аристократ, выходец из старинной банкирской семьи, получил прекрасное академическое образование. Имел пристрастие к точному рисунку, всю жизнь рисовал формы в мимолётном, изменчивом движении. «Импрессионист линии, формы, движения». Основные темы, интересовавшие Дега, были связаны с движением. Это ипподром, балет, театр, профессиональные движения прачек, гладильщиц, модисток. Он не писал пейзажей, в его картинах нет воздушной дымки, его не интересовала проблема естественного освещения, скорее он изучал проблемы искусственного освещения. Его произведения саркастичны, ироничны, он как, подглядывает за неловкими движениями людей. Работал в технике пастели. «Голубые танцовщицы», «Скачки», «Урок танцев», «Гладильщицы». Единственный из импрессионистов, побывавший в Америке.
(Degas, Edgar)
(1834-1917), французский живописец, график и скульптор. Илэр Жермен Эдгар Дега родился 19 июля 1834 в Париже. В 1855 он поступил в Школу изящных искусств. В это время Дега совершал частые поездки в Италию, где изучал искусство старых мастеров и классические принципы композиции. В 1862 он познакомился с Эдуаром Мане (1832-1883) и другими импрессионистами, вместе с которыми впоследствии участвовал в художественных выставках. Работы Дега, исполненные до 1860, представляют собой в основном портреты друзей и родственников; кульминацией этого периода творчества мастера стало создание группового портрета Семья Беллили (1858-1860). В конце 1860-х годов Дега начал писать сцены из городской жизни, изображая быт художественных мастерских, театров и кафе. В 1870-е годы он часто изображал танцовщиц и скачки. Свежесть, непосредственность и динамичность этих работ сближает их с искусством импрессионистов. Одно из самых известных произведений этого периода - Танцевальный класс (1872, Париж, Лувр). Работы Дега 1880-х годов отражают его увлечение японской гравюрой и фотографией. Резкое перспективное сокращение ускоряет переход от переднего плана к заднему, пол опрокидывается, фигуры обрезаются краем холста - таким образом создаются асимметричные композиции, отражающие подвижную, изменчивую реальность, которую можно наблюдать с самых необычных точек зрения. В 1880 Дега впервые обратился к технике пастели; он стал часто изображать лавочки модисток, прачек и пр. В эти годы Дега упростил и очистил свой рисунок от всего лишнего так, что мог с помощью одного только контура передать игру мышц движущегося человеческого тела. Среди работ этого периода - Гладильщицы (ок. 1884) и Обнаженная, расчесывающая волосы (1885). Поскольку изображенные им женщины были показаны без всякой идеализации, Дега часто несправедливо обвиняли в женоненавистничестве. После 1890 живописные работы Дега приобретают более скульптурный характер. Контуры подчеркиваются толстой, прочерченной углем линией, а в колорите начинают преобладать пурпурные, розовые и зеленоватые оттенки, придающие ему звонкость; детали сводятся к минимуму. В 1880-е годы Дега начинает работать в скульптуре, отчасти из-за усиливавшейся болезни глаз. Дега создавал свои статуи из глины или воска, которые он наносил на каркас, и многие из них погибли из-за несовершенства этой техники. Около 150 статуэток, оставшихся в мастерской после его смерти, были отлиты из бронзы. Дега создал огромное количество подготовительных набросков и законченных произведений. Его рисунки могут служить свидетельством последовательности творческого процесса художника; они показывают, как пастельные композиции с изображением танцевальных сцен составлялись из набросков отдельных движений и поз. Дега умер в Париже 26 сентября 1917.
Неоимпрессионизм
Событием последней выставки импрессионистов в 1886 г. стали не картины уже известных публике мастеров, а полотно «Воскресенье после полудня на острове Гранд-Жатт» молодого художника Жоржа Сёра, приглашённого Камилем Писсарро. Новое течение в живописи, которое представлял Сера, вначале причислили к импрессионизму, а позднее назвали неоимпрессионизмом, пуантилизмом и дивизионизмом.
В книге «От Эжена Делакруа к неоимпрессионистам», посвященной памяти Жоржа Сёра и опубликованной в 1899 г., живописец Поль Синьяк писал: «Неоимпрессионистами называются художники, которые ввели и, начиная с 1886 года, развивали, технику так называемого разделения, пользуясь приёмом оптического смешения тонов и цветов. Эти художники, которые придерживались неизменных законов искусства: ритма, чувства меры и контраста, пришли к новой технике, желая достигнуть наибольшей силы света, колорита и гармонии, что им казалось невозможным ни при каком другом способе... Их метод, подвергшийся такому осуждению, — это метод традиционный и логично вытекает из прошлых методов... живопись неизбежно должна была к нему прийти после метода импрессионистов».
Неоимпрессионизм (от греч. «неос» — «новый») — течение, связанное с импрессионизмом и развивающее его. Цель неоимпрессионизма — заключить живописную интуицию импрессионистов в рамки научного метода, гарантирующего от возможных ошибок. В понятии дивизионизм (от франц. division — «разделение») заключалась суть метода неоимпрессионистов, основанного на законе оптического восприятия. Глаз способен синтезировать нужный цвет, соединяя световые лучи; следовательно, художник может не пытаться смешивать этот цвет на палитре. Он должен просто наносить основные составляющие свет цвета в определённых сочетаниях на полотно. Пуантилизм (от франц. point — «точка») — это техника неоимпрессионистов. Чистые цвета наносятся отдельными маленькими мазками, похожими на точки.
Главными представителями неоимпрессионизма были Жорж Сёра и Поль Синьяк. Жорж Сёра (1859— 1891) происходил из среды парижских буржуа. Окончив Школу изящных искусств, он предложил Салону в 1884 г. своё первое большое (два на три метра) полотно — «Купание в Аньере» (1883—1884 гг.). Художник стремился к идеальной красоте, гармонии линий и тонов, возвышающей простое событие до ритуального действа. Отвергнутое Салоном, полотно было выставлено в «Салоне независимых» и стало первым значительным произведением Сёра.
Поль Синьяк (1863—1935) был родом из состоятельной семьи. Он рано начал заниматься живописью, увлёкся импрессионизмом. Синьяк одновременно с Сёра выставил в «Салоне независимых» пейзажи, написанные в импрессионистической манере. Знакомство художников положило начало неоимпрессионизму.
В течение двух следующих лет Сёра работал над полотном «Воскресенье после полудня на острове Гранд-Жатт» (1884 г.). Множество рисунков с натуры и живописных эскизов запечатлели поиски моделей и пейзажа. Законченная работа, впервые показанная на восьмой выставке импрессионистов, вызвала недоумение, восторг и споры. Главное отличие этой картины от «Купания в Аньере» было в изменившейся манере письма. Написанная мелкими мазками, она словно выткана из огромного количества оттенков. Все фигуры расположены лицом к зрителю или в профиль. Позы скованны, лица не видны, однако бросаются в глаза детали: обезьянка, собачки, зонтики, трости, трубка и сигара. Застывший, словно по мановению волшебной палочки, пейзаж окружён странным, нереальным воздухом.
В последующие шесть лет Сёра показал одну за другой несколько картин, отметивших этапы развития созданного им течения. «Натурщицы» (1886—1888 гг.) — большое полотно, на котором изображены три натурщицы в разных позах. Композиция статична, а цветовое решение картины построено на основе дивизионизма: поверхность покрыта маленькими пятнышками краски чистых тонов.
Последняя картина Сёра «Цирк» (1890—1891 гг.) была выставлена в «Салоне независимых» 1891 г.
В отличие от импрессионистов Сёра переносил на холст не мгновенное впечатление от увиденного; цирковые артисты и зрители объединены в целостную, тщательно продуманную композицию.
Жорж Сёра внезапно умер через девять дней после открытия Салона. За несколько лет творчества он собрал вокруг себя маленькую группу единомышленников и поклонников. Самым рьяным его приверженцем стал Синьяк. С ним связано дальнейшее существование неоимпрессионизма. Этот художник был его пропагандистом, написал несколько статей и до конца жизни остался верен его принципам.
Отойдя от импрессионизма, неоимпрессионизм превратился в художественное течение, отразившее одну из сторон творческих поисков конца XIX в. Интеллектуальность и новый подход к технике живописи не только превратили его в значительное явление искусства, но и позволили ему влиять на художественную жизнь начала XX столетия.
Франсуа Огюст Рене Роден (фр. François-Auguste-René Rodin) (12 ноября 1840 — 17 ноября 1917) — знаменитый французский скульптор, один из основоположников импрессионизма в скульптуре.
Огюст Роден родился в Париже. Учился в парижской Школе рисования и математики, поступив туда вопреки желанию отца, и у Антуана Бари в Музее естественной истории.
В 1864 первая работа Родена — «Человек со сломанным носом» — была отклонена на парижском Салоне, так как бросила вызов академическим канонам красоты. Роден также не был принят в Школу изящных искусств, и с 1864 по 1870 годы работал в мастерской А.Карье-Беллёза при Севрской мануфактуре, зарабатывая созданием декоративной скульптуры.
В 1871 он отправляется в поисках работы в Брюссель, где создаёт несколько скульптур для частных домов, для здания биржи и боковые фигуры для памятника бургомистру Лоосу в парке д’Анверс. Параллельно продолжает самообразование в области средневекового искусства и творчества Рубенса. Посещает Италию, и в результате знакомства с творчеством Микеланджело возникает идея создания статуи «Бронзовый век».
Первым признанием таланта Родена стала покупка государством двух его статуй — «Иоанн Креститель» (1878) и «Шагающий» (1877). Ему было поручено создание скульптурного портала. Работе над «Вратами ада» (начата в 1888) Роден посвятил всю оставшуюся жизнь, черпая вдохновение в «Божественной комедии» Данте и произведениях Шарля Бодлера, в образах порталов готических соборов. Такие работы, как «Мыслитель» (1888), «Ева», «Мимолетная любовь» (1886), «Поцелуй» (1886) и многие другие стали этюдами к «Вратам ада».
Среди других крупных произведений: скульптурная группа «Граждане Кале», памятник Виктору Гюго, статуя Оноре де Бальзака.
В 1898 общество, заказавшее Родену статую Бальзака, отказалось от его услуг, мотивируя это тем, что в представленном этюде нет портретного сходства с писателем.
Личная жизнь скульптора была не менее насыщена, чем его творческая деятельность. В 1885 Роден взял помощницей в мастерскую 19-летнюю Камиллу Клодель. Девушка оказалась не только талантливой ученицей, но и вскоре стала возлюбленной Родена, несмотря на значительную разницу в возрасте. При этом Роден не разрывал отношения со своей спутницей жизни Роз Бёрес, которая была рядом с ним в трудные годы, когда они бедствовали в Бельгии, и растила их сына.
К началу XX века Роден был уже знаменитым скульптором, и французское правительство предоставило ему целый павильон на Всемирной выставке 1900, проводившейся в Париже. Среди учеников Родена можно назвать таких знаменитых скульпторов, как Антуан Бурдель и Константен Бранкузи.
Роден умер в своём доме в Медоне, недалеко от Парижа.
Большинство своих произведений Огюст Роден завещал французскому народу, многие из них хранятся в музее Родена в Париже и в Музее д'Орсе (Париж), а также в музее Родена в Филадельфии.
Некоторые работы находятся в собрании Государственного Эрмитажа (Санкт-Петербург), музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина (Москва), Национальной галерее искусств (Вашингтон), Метрополитен-музее (Нью-Йорк), других музеях мира.
В честь Родена назван кратер на Меркурии.
Роден (Rodin) Рене Франсуа Огюст (12.11.1840, Париж, — 17.11.1917, Мёдон, близ Парижа), французский скульптор. Сын мелкого чиновника. Учился в Париже в Школе рисования и математики (в 1854—57) и у А. Л. Бари в Музее естественной истории (1864). В 1864—71 работал в мастерской А. Карье-Беллёза. Выполнял модели мелкой декоративной пластики (в том числе для фарфора Севрской национальной мануфактуры). В 1871—77 оформил монументально-декоративной скульптурой ряд зданий Брюсселя. В 1875 посетил Италию, где увлекся искусством Микеланджело, Донателло и Л. Гиберти. С 1877 изучал памятники французской готики. Зрелым мастерством отмечены уже ранние работы Р. (например, голова «Человека со сломанным носом», 1864). Статуе «Бронзовый век» (1877), олицетворяющей пробуждение человечества, его смятение перед грядущим, и проникнутой пафосом пророчества статуе «Проповедующий Иоанн-Креститель» (1879) в полной мере присущи характерные для Р. в дальнейшем смелость образных и пластических исканий, философская глубина замысла, острая жизненность в передаче сложного движения и энергичная моделировка объёмов. В 1884—88 Р. создал для г. Кале группу «Граждане Кале» (бронза, установлена в 1895), изображающую жителей Кале, которые жертвуют собой ради спасения родного города (во время его осады английским королём в середине 14в.). Драматическое звучание всей сцены в целом, её противоречивая эмоциональная атмосфера, ощущение духовной напряжённости героев, лаконичная и в то же время глубокая характеристика каждого из них рождаются благодаря беспокойному дробному ритму композиции, резким контрастам статичных фигур и фигур, полных динамики, противопоставлению весомости масс экспрессии поз и жестов. С 1880 и до конца жизни Р. работал над большой горельефной композицией «Врата ада», навеянной «Божественной комедией» Данте, мотивами античной мифологии, библейских легенд, поэзии Ф. Вийона и современной Р. поэзии и символически воплощавшей мир человеческих страстей.
Отдельные темы этой композиции Р. разрабатывал в виде самостоятельных произведений; таковы остро гротескная фигура «Та, которая была прекрасной Ольмьер» (1885), пронизанная тонкой поэзией группа «Поцелуй» (1886), исполненная внутренней мощи и духовного величия статуя «Мыслитель» (1888). С середины 1880-х гг. в творчестве Р. всё более нарастает тяготение к усложнённым символическим образам, к выявлению полярных, крайних человеческих эмоций — от ясной гармонии с миром, от мягкого лиризма до полного отчаяния и мрачной сосредоточенности. Постепенно меняется и манера Р.: его произведения приобретают нарочито эскизный, как бы незаконченный характер, всё контрастнее становится игра света и тени, а моделировка форм, иногда текучих,— подчёркнуто живописной. Это позволяет Р., одному из основоположников импрессионизма в скульптуре, передать впечатление медленного, порой мучительного рождения форм из стихийной, аморфной материи силой «духовного порыва». В отличие от импрессионистов-живописцев Р. всегда склонялся к такому «метафизическому» пониманию художественного творчества, к вневременным, общечеловеческим сюжетам; вместе с тем он всегда сохранял известную определённость форм и придавал особенное значение их фактурной осязаемости как важному средству заострения образа. Всё же утрата чувства монументальности отличает такие работы Р., как памятники В. Гюго (мрамор, 1886—1900) и О. Бальзаку (бронза, 1893—97; установлен в 1939) в Париже, проект «Башни труда» (гипсовая модель, 1899).. В то же время Р. продолжал создавать портретные бюсты, отличающиеся остротой и цельностью передачи характера человека, его внутреннего мира (бюсты: Ж. Далу, 1883, А. Рошфора, 1897). Особую художественную ценность представляют динамичные и лёгкие по исполнению рисунки и офорты Р. Варианты всех названных скульптурных произведений Р. (в гипсе, бронзе, мраморе) находятся в Музее Р. в Париже, а также во многих других музеях мира.
пятница, 10 сентября 2010 г.
Подписаться на:
Сообщения (Atom)